JUEGOS Y ACTIVIDADES EN TEATRO

 Juegos Preliminares en teatro

 

EL GATO Y AL RATÓN

¿Cuántos participantes se requieren?

No menos de 11.

¿En qué lugar podemos jugar?

En una sala despejada de mobiliario o espacio abierto delimitado.

¿Cómo se juega?

Se elegirán dos participantes quienes serán inicialmente el gato y el ratón. El resto del grupo

Formará tríos alineados hombro con hombro, y se distribuirán por el resto del espacio de

Forma libre

                     

TE SALTO Y TE PILLAN

¿Cuántos participantes se requieren?

No menos de cinco.

¿Cómo se juega?

Sala despejada de mobiliario o espacio libre.

¿En qué lugar podemos jugar?

Se elegirán dos participantes, quienes serán el policía y el ladrón. El resto del grupo se

Distribuirá libremente por el espacio en cuclillas. El policía perseguirá al ladrón entre las

Personas participantes. Si el ladrón salta sobre un participante deberá permanecer en cuclillas en el lugar que cayó y quien estaba en cuclillas se convertirá en el nuevo ladrón y deberá huir.

En caso que el policía alcance al ladrón, se invertirán los papeles y continuará la dinámica. La actividad fnalizará cuando todos los estudiantes hayan cumplido el rol de policía y/o ladrón, o cuando el facilitador así lo estime

 

1, 2, 3 , 4

¿Cuántos participantes se requieren?

No menos de cinco.

¿En qué lugar podemos jugar?

Sala despejada de mobiliario o espacio libre.

¿Cómo se juega?

El grupo se distribuirá de forma libre por el espacio. El facilitador generará una clave y se

Las comunicará. La clave consistirá en designar una acción a un número determinado. Por ejemplo: el número 1, saltar; el número 2, acostarse en el suelo; el número 3, rodar; el

Número 4, quedarse congelado. A la voz de acción cada participante deberá desplazarse por el espacio de forma normal y libre, idealmente sin formar fguras defnidas, como círculos o rectas, a un ritmo marcado por el facilitador. Cada vez que él diga a viva voz algún número, las personas participantes deberán ejecutar la acción que corresponde a ese número y luego seguir caminando. El facilitador podrá ir variando el ritmo de la marcha si así lo estima conveniente, o realizar las variaciones que guste en cuanto a la clave inventada

 

LOS SIAMESES

¿Cuántos participantes se requieren?

No menos de seis.

¿En qué lugar podemos jugar?

Sala despejada de mobiliario o espacio libre.

¿Cómo se juega?

El facilitador indicará al grupo que formen parejas y se distribuirán por el espacio. Luego

Indicará a viva voz que se desplazarán al ritmo propuesto, unidos por algún segmento del

Cuerpo. Ejemplo: ¡Unidos por la cabeza!. Luego utilizará un pandero o música para marcar un ritmo al desplazamiento. Las personas participantes se desplazarán por el espacio, unidas por el segmento que corresponde, hasta que el facilitador anuncie un nuevo segmento corporal

Espalda, pie derecho, codos, etc. Cuando este aplauda se deberá cambiar de pareja,

Continuando la misma dinámica. La actividad finalizará cuando el facilitador lo defina.

 

LOS IMITADORES

¿Cuántos participantes se requieren?

No menos de cuatro.

¿En qué lugar podemos jugar?

Sala despejada o espacio libre.

¿Qué materiales se requieren?

Venda para los ojos según número de participantes.

¿Cómo se juega?

Se formarán parejas. El facilitador le vendará los ojos a la pareja 1, mientras que la pareja 2

Deberá crear una estatua, unida al menos por un punto del cuerpo (manos, pies, rodillas,

Entre otros). El facilitador dará un tiempo determinado para que la pareja 1 pueda, a través de

Tacto, recorrer la fgura creada por la pareja 2. Luego la pareja 1, aún con los ojos vendados,

Deberá recrear dicha fgura. Cuando ya estén listos el facilitador retirará la venda de sus ojos y

Comprobarán si la fgura que recrearon es similar a la creada por la primera pareja. Si el grupo

Lo conforma un grupo alto de participantes, la dinámica se podrá realizar con varias parejas al mismo tiempo. El facilitador será el encargado de moderar y ayudar a cada pareja en caso que sea necesario.

DEPREDADOR

¿Cuántos participantes se requieren?

No menos de ocho.

¿En qué lugar podemos jugar?

Sala despejada de mobiliario o espacio libre.

¿Qué materiales se requieren?

Trozos de tela o venda para los ojos.

¿Cómo se juega?

Se dividirá al grupo en dos equipos. Un equipo será el de los “depredadores” y los otros

Serán “presas”, los que se distribuirán de forma libre por el espacio. A todas las personas

Participantes se les vendarán los ojos. En silencio, los depredadores seguirán por el ruido a las presas hasta caer sobre ellas, mientras que las presas se guiarán por el ruido para huir de sus depredadores. Cuando un depredador alcance a otro participante el facilitador dirá “acierto” en caso que sea una presa; o, en caso que sea otro depredador dirá “error”. La actividad finalizará cuando todas las presas hayan sido capturadas o cuando el facilitador lo estime conveniente.

 

 

REPRESENTACIÓN DE TEATRO PARA LA DRAMATIZACION

 

Cuando hablamos de dramatización no nos referimos a hacer teatro propiamente tal. Este
último pone el énfasis en el espectáculo y el espectador, mientras que la dramatización
pone el énfasis en la propia acción, en el proceso que lleva a la representación, la que
incluso no debe pensarse obligatoriamente como una presentación, evento o espectáculo
público que necesariamente requiera de espectadores distintos a los mismos participantes
de un grupo. La representación, perfectamente, puede ser la culminación de un proceso y
este se puede vivir como un asunto interno del grupo. De hecho en el trascurso del taller,
sesión a sesión, continuamente se cuenta con la doble contribución del participante espectador al momento de mostrar un ejercicio.
En estas circunstancias, el énfasis sobre los problemas expresivos externos es menor,
por lo que la energía se concentra más en la experiencia formativa que en la exigente
dedicación que requiere la preparación de lo técnico-expresivo.
Sin embargo, sabemos que en el contexto del taller de teatro escolar frecuentemente existen
grandes expectativas sobre la exhibición del trabajo a un público distinto a las personas
participantes del taller, haciendo partícipes del evento a otros cursos, a los padres o a la
comunidad educativa en general. Puede también implicar recursos técnico-expresivos
en las presentaciones fnales tales como escenografía, utilería, vestuario, maquillaje e
iluminación, requiriendo además la construcción de muñecos, máscaras, títeres, etc.

 

LA ADAPTACIÓN DE LA OBRA

Si se utiliza una obra existente, se debe tomar en cuenta su adaptación con el fn de
asegurar el éxito de la puesta en escena. Algunos elementos a considerar son los siguientes:

 Monólogos:

la actuación de un monólogo exige cierta pericia en el manejo
de la voz, la memoria, etc. Es mejor evitarlos. El principiante se verá sobre exigido
si dejamos caer sobre él la responsabilidad de un monólogo en sus primeras
presentaciones.

 Diálogos:

los diálogos cortos favorecen la labor de los principiantes. Deben
ser escenas dinámicas, con gran movimiento de actores, unos tras otros, dando la
posibilidad de enmendar rápidamente los errores.

Personajes:

el ideal es que la puesta en escena contemple entre diez y doce
personas, así la responsabilidad del resultado fnal recae en un grupo considerable,
pero aún fácil de organizar, y no se corre el riesgo de depender de pocos que,
además, son principiantes.

 Duración:

la duración adecuada para una presentación debe determinarse a partir
del grupo etario con quienes se esté trabajando; a menor edad es recomendable
que el tiempo sea acotado y para los más grandes no sobrepasar la hora, pues
se hace difícil encontrar el público que cuente con el tiempo disponible y con la
atención necesaria, sobre todo si es público joven.

 Complejidad:

hay que abogar por la sencillez. Sin grandes parafernalias que
disminuyan la importancia de los actores y que puedan enlodar, si es que fallan, el
resultado fnal. La obra debe ser un momento de relajación en medio del quehacer.

LA RESPIRACIÓN Y LA VOZ EN TEATRO

 

Desde el nacimiento y durante la infancia la respiración es natural, orgánica, por lo que, mecánicamente hablando, funciona correctamente; sin embargo, a medida que vamos creciendo, si no se pone atención a como se respira se asumen malos hábitos y la respiración correcta termina por atrofarse. Por tanto hay que reeducar los hábitos de
respiración.

La respiración correcta, denominada respiración diafragmática, es la que produce la sensación de que al respirar el aire se deposita en el abdomen. Esta forma de respirar logra que el músculo diafragmático actúe de soporte e impulse el aire que hace vibrar las cuerdas vocales. En esta relación, la postura corporal juega un rol muy importante. Los sonidos fuertes o débiles dependerán de la cantidad de aire utilizada y de la técnica con que se trabajen los músculos correspondientes. En este manual encontrará varios ejercicios que le ayudarán a practicar con su voz

 

CARACTERÍSTICAS DE LA VOZ

Las características de la vox son las siguientes:

 Altura
También llamada tono, se produce según la velocidad de vibración de las cuerdas
vocales. Estas vibraciones causan la graduación entre dos polos tonales de la voz:
sonidos agudos (estos suelen asociarse con estados alterados o de agitación) y los
sonidos graves (se asocian a climas de mesura y afecto).

 Intensidad
El manejo adecuado del volumen permite que seamos escuchados cuando el
receptor se encuentra a una determinada distancia. Además el control de este recurso
nos ofrece una amplia gama de posibilidades en el ámbito de la representación.
En general un mayor volumen se le atribuye a la pérdida del control del emisor y, por
el contrario, una menor intensidad de volumen se asocia a un estado de tranquilidad.

Timbre
Expresión teatral | 51
Es el rasgo de identidad del sonido. Depende del instrumento que lo emite, por lo
tanto, en cuanto a la voz humana, son las condiciones anatómicas las que defnen
el timbre vocal.

Ritmo
Tiene que ver con la velocidad que se suceden los sonidos y los silencios de lo que
enunciamos vocalmente.
En la enunciación de una frase o texto se debe evitar la monotonía, es decir se debe
matizar con distintas inflexiones, las que deben ser adecuadas pues una inflexión
que no corresponde, al comenzar o terminar una frase, se aleja de una expresión
verosímil.
» Tono tranquilo: pausado, refleja una actitud controlada, de dominio de la situación.
» Tono persuasivo: entusiasta y convincente, refleja una actitud resoluta, de certeza.
» Tono sugestivo: caracteriza y expone, refleja una actitud enfocada a la
argumentación, a dar una sugerencia o consejo.
» Tono seguro: directo, serio, refleja una actitud de experiencia y seriedad.

ARTICULACIÓN
Hablar es más que emitir sonidos; también involucra una pronunciación clara y distinta
de las palabras. Dejar de pronunciar sílabas o letras en una palabra responde a una mala
articulación o vocalización de los sonidos, problema que se debe a que los músculos
faciales no están bien entrenados para articular correctamente. El mecanismo de fonación
juega un rol particularmente importante, pero en el proceso interviene todo nuestro
cuerpo, desde la posición de la cabeza a la forma de pararse o sentarse. De ahí que sea
tan importante para los estudiantes practicar algunas técnicas de vocalización que les
ayudarán a salir de la articulación cotidiana y mejorar su práctica.

 MODULACIÓN
La modulación de la voz, de acuerdo a la Real Academia Española de la Lengua, es la
habilidad o capacidad que se tiene de “variar con fnes armónicos las cualidades del
sonido en el habla o en el canto”. Una modulación adecuada signifca poder cambiar o
“modular” de forma controlada el volumen, el tono, la resonancia de la voz, así como el
ritmo de las palabras. Esta habilidad permite dar vida al interpretar un texto, una narración
o un discurso.

PROYECCIÓN
La acción de proyección de la voz signifca lanzar o dirigir el sonido hacia el exterior,
buscando llegar más lejos con el sonido vocal, aumentar la intensidad, reforzando en la
interpretación el dramatismo de la voz hablada o cantada.
El grado de proyección vocal se regula mediante la presión aérea y la amplitud bucal,
liberando el aire desde el diafragma

EXPRESIÓN VOCAL

  INTRODUCCIÓN A LA TÉCNICA VOCAL

Las actrices y actores trabajan de manera primordial con su propio cuerpo y voz,
instrumentos que deben educar y cultivar para un buen desempeño al momento de representar frente a un público. En ese sentido se debe tener presente que el escenario exige de la voz ciertas características y destrezas que en la vida cotidiana no son tan necesarias pero que en el trabajo teatral son indispensables.
La persona participante en el taller de teatro debe adquirir las herramientas necesarias para que su voz no se presente como un obstáculo para la representación sino, por el contrario, facilite, recree, realce y caracterice a su personaje. La técnica vocal debe proveer al participante de los recursos necesarios para manejar su voz sin fatiga y con un buen resultado acústico y expresivo. Para adquirir la conciencia y facilidad en el buen cuidado de la voz es necesario conocer, en primer lugar, el funcionamiento fsiológico de los mecanismos involucrados en la
emisión vocal.

¿Cómo logramos producir la voz?

La voz se produce por el trabajo coordinado de gran parte de nuestro cuerpo. El
sonido de este “instrumento” es causado por una columna de aire que es empujada por el diafragma hacia la parte superior de la boca, pasando por la laringe y haciendo vibrar los pliegues vocales (llamadas más comúnmente cuerdas vocales) que allí se sitúan. Las cuerdas vocales son parte del aparato fonador y estas son las responsables de la producción de la voz. Dependiendo de la apertura que forman estos pliegues al vibrar sus sonidos transitan entre los graves o agudos. Las cuerdas vocales reposan en forma horizontal y al momento de respirar, se abren completamente.

¿Cuáles son los aparatos del cuerpo humano que contribuyen a la producción
de los sonidos vocales?

Son tres: el respiratorio, el fonador y el resonador.

ELEMENTOS DE PLANIFICACIÓN PARA EL TALLER DE TEATRO

 

Al momento de plantear un taller de teatro no podemos olvidar planificar.

En este ejercicio Atenderemos a tres aspectos fundamentales

 

Objetivos

Son los resultados que se esperan obtener de las personas participantes luego

Del proceso de aprendizaje, las que deben ser consideradas como centro de este

Proceso. Estos resultados deben ser relativamente observables y se deben relacionarcon los conocimientos, las habilidades, los valores y las actitudes esperables.

Los objetivos no se pueden improvisar, deben defnirse de antemano, considerando

la etapa de desarrollo del participante y lo que se espera que aprenda.

 

 Ejemplos de objetivos específcos

 

» Sensibilización: utilizar los sentidos (la vista, el olfato, el gusto y el tacto) como

Agentes detonadores de respuestas expresivas.

 

» Movimiento: reconocer las partes del cuerpo y sus posibilidades.

 

» Voz: jugar creativamente con las posibilidades de la expresión vocal.

 

» Expresión: utilizar los elementos expresivos en función de la imitación y la

Caracterización, entre otros.

 

. Contenidos

Los contenidos bases de la expresión dramática (sensibilización, creatividad vocal,

Creatividad corporal y expresión) se relacionan entre sí, pero a nivel de planificación

Se deben abordar independientemente para garantizar su ejecución y hacer foco en

El contenido específico.

 

 Ejemplos de contenidos

» Sensibilización: objetos reales, percepción de olores, texturas, peso, tamaño,

Sabores, sonoridades, entre otras.

 

» Creatividad corporal: segmentos y motores corporales, ejercicios y juegos que

Diferencien y disocien cada parte del cuerpo. Juegos colectivos de coordinación,

Movimiento fuerte-suave/lento-rápido.

 

» Creatividad vocal: gama de sonidos y ruidos cotidianos, invenciones de sonidos

Y ruidos vocales.

 

» Expresión: Juego dramático a partir de un tema o lugar

LA ESTRUCTURA DE LA SESIÓN DE EXPRESIÓN DRAMÁTICA EN TEATRO

 

la estructura de sesiones de expresión dramática que ofrecen los pedagogos teatrales Tomás Motos y Francisco Tejedo, propuesta que busca que el trabajo técnico-expresivo de la disciplina sea transferido al estudiante utilizando principalmente el componente lúdico. De esta manera, las sesiones se subdividen en cinco partes, diferenciadas por el tipo de actividades, las que tienen
claros objetivos y actúan, por tanto, como pauta para organizar la sesión, buscando no descuidar aspectos fundamentales de la práctica de la expresión dramática, poniendo el énfasis en su utilidad para el proceso formativo del participante en el taller.

Estas subdivisiones son:

 

Puesta en marcha o preliminares

Actividades sorpresivas que buscan llamar la atención de las personas participantes en la medida en que son el estímulo necesario para poner en marcha sus mecanismos y facultades expresivas. Tienen como objetivo prioritario crear el clima ideal, las disposiciones personales y colectivas adecuadas para llevar a término el trabajo posterior. Al mismo tiempo, son útiles para romper el hielo en el inicio de la clase y ayudan a superar el bloqueo y las inhibiciones que se producen, sobre todo al comenzar una nueva actividad.

 

Sensibilización
La intención es que las personas participantes respondan constantemente a los
estímulos sensoriales a partir de su mundo personal y de su entorno. Las actividades están pensadas, por un lado, para cultivar la sensibilidad y, por otro, para desarrollar las habilidades sensoriales de los cinco sentidos. Para eliminar las tensiones y para crear un ambiente propicio a la creatividad, recurriremos a menudo a las técnicas de relajación.

 
 Creatividad corporal
La fnalidad de este apartado consiste en desarrollar la toma de conciencia de nuestro esquema corporal, el análisis y el ejercicio de las posibilidades del movimiento, la adquisición de destrezas expresivas y la relación del cuerpo con el espacio, con los objetivos físicos y con el cuerpo de otras personas. Queda claro que no se persigue conseguir habilidades físicas, sino una habilidad expresiva con el cuerpo de manera creativa y comunicativa.

d. Juegos de voz/creatividad vocal
Por medio de unas técnicas básicas muy sencillas, intentaremos descubrir la
potencialidad expresiva de nuestra voz y valorarla como vehículo de expresión y
de creación personal. Así mismo, servirá para mejorar la lectura o la dicción en voz alta. La voz constituye, junto con las técnicas de expresión corporal, la base de la interpretación de los actores y actrices

ETAPAS DE DESARROLLO DEL JUEGO EN TEATRO

 

Primera subetapa (de 0 a 3 años)

Se caracteriza por el juego personal, el cual se reconoce porque el niño está

Completamente absorto en lo que está haciendo. Se trata de una vigorosa forma

De concentración infantil que sustenta sus primeras manifestaciones expresivas.

Es una actitud creativa individual, solitaria y ensimismada que excluye la necesidad De público Es relevante entender que en esta subetapa todo lo artístico-expresivo está vinculado al desarrollo de alguna destreza corporal, vocal y/o emocional. Por ello, resulta especialmente importante potenciar el juego personal, ya que existe una relación proporcional entre dicha forma de juego en la primera infancia

 

Segunda subetapa (de 3 a 5 años)

Se caracteriza por el juego proyectado, el cual se reconoce porque el niño

experimenta la necesidad emocional de comunicarse y compartir con otro para

jugar. Potencia la concientización social a través del juego y persigue desarrollar la

distinción entre ritmo y compás tanto a nivel físico como verbal. Resulta medular

señalar el benefcio que la actividad lúdica se realice en círculo, ya que a esta edad los niños simplemente son lo que juegan y por ello, aún no son capaces de reconocer y articular, en forma consciente y creativa, el sentido de frontalidad escénica

 

SEGUNDA ETAPA

Se considera como segunda etapa al rango de edad que va desde los 5 a los 9 años, la que está dividida en dos subetapas

 

Primera subetapa (de 5 a 7 años)

Se caracteriza por el juego dirigido, el cual se reconoce porque el niño acepta la

Interacción de un tercero que orienta el sentido del juego, con el fn de desarrollar

Habilidades y destrezas específcas. Es positivo potenciar la imitación como referente básico, mediante la introducción de experiencias personales en la actividad lúdica con el fn de volver consiente la diferencia entre realidad y fantasía. Es importante que el juego dirigido mantenga un equilibrio entre acción y el desarrollo del lenguaje. Asimismo, resulta fundamental entender que la economía y sencillez de recursos materiales de esta subetapa es decisiva para desarrollar la capacidad creativa

 

Segunda subetapa (de 7 a 9 años)

Se caracteriza por el juego dramático, el cual se defne como la práctica colectiva

que reúne a un grupo que improvisa a partir de un lugar y/o tema. La actividad

escénica apunta a tomar conciencia y practicar el concepto de personifcación

o rol, buscando provocar una liberación corporal y emotiva tanto en el juego

como en la vida personal de las personas participantes. Debe estimular el uso y el

descubrimiento del espacio con el fn de desarrollar los conceptos de trayectoria,

equidistancia, profundidad, perspectiva y frontalidad escénica. En esta sub etapa

se introducen los grandes temas del inconsciente colectivo

LA EXPRESIÓN CORPORAL EN TEATRO

 EL CUERPO COMO ELEMENTO EXPRESIVO

El término expresión corporal es utilizado en el área de las artes escénicas para referirse al uso combinado del cuerpo, el gesto y la voz, transmitiendo pensamientos, situaciones y emociones determinadas. Desarrollar la expresión a través del cuerpo es la base de la disciplina del teatro, por lo que debemos prestar especial atención al trabajo que realizamos con los estudiantes al buscar ampliar sus destrezas expresivas y conquistar las posibilidades que tiene el cuerpo como medio de comunicación, posibilitando así un lenguaje expresivo auténtico.

El cuerpo es el vehículo de la expresión. Para quien lo vea, el cuerpo siempre expresa algo, ya sea estando en perfecta inmovilidad, por el lugar donde se encuentra, por la compañía de uno o más cuerpos, o por la complexión misma: no es lo mismo un cuerpo en una ofcina o en una piscina, dos cuerpos o un tumulto de cuerpos, un cuerpo curvado que un cuerpo estirado; incluso cada parte del cuerpo indica algún signifcado en sí mismo.

El cuerpo tiene tres planos y tres ejes de movimiento en los que puede trasladarse 

Planos
» Sagital: divide el cuerpo en mitad derecha y mitad izquierda.
» Frontal: divide el cuerpo en mitad anterior y mitad posterior.
» Transversal: divide el cuerpo en parte superior e inferior.

Ejes
» Antero posterior: se dirige de delante hacia atrás y es perpendicular al plano
frontal.

» Vertical o longitudinal: se dirige de arriba hacia abajo y es perpendicular al plano
horizontal.

» Transversal: se dirige de lado a lado y es perpendicular al plano sagital.
Limitaciones de sus estudiantes; tiene la misión de generar gusto por el movimiento

Planos del cuerpo

Plano Frontal
Plano Sagital
Plano Transversal

TRANSMISIÓN Y PROPÓSITOS DEL LENGUAJE DRAMÁTICO

La expresión teatral se contagia, como se contagian los hábitos, los gestos o
el lenguaje verbal. En ese contagio  no imitación se basa la posibilidad de
transmisión de lo teatral.La defnición de los propósitos de la pedagogía teatral es el despertar de la expresión de nuestros estudiantes, ya que consideramos que los elementos con los que podemos

trabajar coexisten en el participante y que nuestra labor es despertarlos. Más sentido
adquiere esta intención cuando nos enteramos del origen etimológico de la palabra
expresión  Desde esta visión como formadores debemos ser cuidadosos al momento de facilitar que ese potencial creativo y expresivo salga desde el participante hacia el exterior mediante un proceso amable que respete el ritmo de cada cual. Por ello el concepto que más
nos acomoda para especifcar el trabajo que realizamos con nuestros estudiantes, y que
acompaña como premisa el quehacer que nos compete como facilitadores, es el de

DESPERTAR: el entusiasmo, la creatividad, la actitud lúdica, la apreciación estética, las
destrezas artísticas, el conocimiento, los afectos, las relaciones y el disfrute.
Esta posición justifca también que el juego teatral es para todos y no solo para quienes
manifestan tener talento. En cada uno de nosotros existe lo fundamental para expresarnos
dramáticamente y eso será el material con lo que trabajaremos.
Afrmamos también que esta práctica, realizada en forma permanente y sistemática,
favorece a un estudiante en las diferentes esferas que lo constituyen como ser humano
y en el logro de competencias entendidas como habilidades complejas, integradas
por componentes para el saber en los que se distinguen contenidos conceptuales y
declarativos. Los aprendizajes orientados al desarrollo del conocimiento van desde un
proceso simple de adquisición de terminología hasta aquellos más complejos en la
realización de una función. Por otra parte, los aprendizajes orientados al desarrollo de
habilidades de ejecución de una acción o procedimiento, el saber hacer, se distinguen
contenidos procedimentales o de habilidades que permiten la adquisición de las destrezas
necesarias para la realización de las actividades de un proceso. Por último, los aprendizajes
orientados al desarrollo de actitudes, para el saber ser y convivir, se distinguen contenidos
actitudinales o valorativos que apuntan a la formación personal y social para un desempeño
adecuado en un contexto de trabajo específco.

TEATRO Y EDUCACIÓN CON EL PROFE KEVIN

 

El teatro como educación artística es educación para la vida; las personas participantes no solo están recibiendo conocimientos del lenguaje dramático, sino que al mismo tiempo están ampliando sus posibilidades creativas, comunicativas y de mediación en el mundo. El teatro resulta ser un aliado de primera mano en la formación de un individuo. La expresión dramática como actividad expresiva es siempre acción, por lo que constituye una experiencia eminentemente práctica, que involucra un mundo en el que se representa y, en consecuencia, se puede observar, pensar, analizar, explorar y estudiar aquello que se está experimentando o se ha vivido. Puede ser un hecho artístico, una creación colectiva y en todos los casos es una experiencia de aprendizaje colaborativo, en la que cada cual juega o desarrolla su papel, su función y aporte a la construcción individual y colectiva

LA PEDAGOGÍA TEATRAL

La pedagogía teatral es una disciplina que organiza tanto los medios (técnicos y operativos)
como las acciones y procedimientos de los procesos de enseñanza y aprendizaje del
teatro en la educación. Asimismo, ampara el uso del teatro o la expresión dramática
como herramienta educativa, estableciendo estrategias metodológicas para apoyar la
facilitación de cualquier currículo o ámbito formativo, incluida la enseñanza del teatro,
haciendo uso de los mismos recursos que esta didáctica despliega.

Sus características son:

» Se sitúa al participante como centro de la acción pedagógica.

» Las actividades lúdicas son la metodología base.

» Los mismos recursos que el lenguaje expresivo y dramático
procuran, se utilizan para el aprendizaje de forma sinérgica en
las sesiones.

» El aprendizaje se adquiere por experiencias directas y vicarias.

» La propuesta pedagógica nace en atención a las necesidades de
las etapas de desarrollo del juego de las personas participantes.

» El facilitador acompaña un proceso creativo, no lo impone.

» Se tiene el deseo de un ambiente de trabajo creativo basado en
el respeto, la alegría y la libertad